Historias del viejo Broadway / Primera Parte: Teatros, obras, empresarios y productores

Por Salvador Domínguez

1- Un poco de historia
Desde sus inicios, los teatros y music-halls de Broadway se hicieron eco de lo mejor de la música popular de Estados Unidos, convirtiéndose en centro neurálgico del negocio de las editoriales musicales y en un poderoso imán que atraerá a los mejores compositores y letristas de cada época. En Broadway se estrenaron muchas de las mejores comedias musicales de la historia y, con ellas, canciones que forman parte de la memoria colectiva universal.



 Teatros de Broadway

Times Square


Los primeros teatros de Broadway
El despegue de Broadway como zona teatral se sitúa alrededor de 1820, cuando se edificaron en ella un par de teatros. Un poco más tarde, en 1829, el empresario William Niblo inauguraba el Niblo´s Garden, un célebre complejo con capacidad para 3.000 espectadores, y así, progresivamente, el área iría cobrando un auge importante.


Niblo´s Garden, Nueva York


A su desarrollo contribuyeron personajes como la británica Laura Keene (1826-1873), productora y protagonista de numerosas obras -que representaba en su teatro, en el 622 de Broadway-, entre las que se cuentan The Elves (1857) y, primordialmente, Seven sisters (1860), de la que llegaron a hacerse nada menos que 253 funciones. 

Pero por una de esas terribles casualidades, el presidente Abraham Lincoln sería asesinado durante una función de la compañía de la señora Keen, en el Teatro Ford de Washington D.C., un viernes 14 de abril de 1865, durante la representación de la comedia Nuestro primo americano (Our american cousin). Dado que el presunto magnicida, John Wilkes Booth, era un actor profesional, se desató una furibunda hostilidad hacia el gremio teatral; tanta, que la propia Laura Keene se vio forzada a retirarse de los escenarios y dedicarse a otra cosa.



Ford Theatre. Washington D.C.


Fue una época de intolerancia y revanchismo, en la que los vencedores de la Guerra Civil no ocultaron su rencor hacia los estados del Sur, pese a las palabras de concordia del magnánimo Lincoln, o del propio general Grant, jefe de los ejércitos de la Unión, quien dijo: “La guerra está acabada y no debemos regocijarnos, porque los vencidos son nuestros compatriotas.” Sus palabras se las llevó el viento. 


100.000 DÓLARES DE RECOMPENSA POR LA CAPTURA DEL ASESINO 
DE NUESTRO AMADO PRESIDENTE, ABRAHAM LINCOLN”
Anuncio del Departamento de Guerra, Washington, 20 de abril de 1865

Tropas de la Unión. Guerra de Secesión
12 de abril de 1861 - 9 de abril de 1865



La comedia musical norteamericana
El nacimiento de la comedia musical norteamericana se fija justo un año después del fin de la Guerra de Secesión, en 1866, con el estreno, en el Niblo´s Garden de Broadway, de El impostor negro (The black crook), un melodrama de varios actos, con canciones y danzas y conjuntos de bailarinas, que estuvo en cartelera durante más de un año. Luego, la obra fue llevada a los teatros de provincias, en los que estuvo rotando otros 10 años más, evidenciando el incalculable potencial comercial que empezaba a tener el teatro en los Estados Unidos.


 El impostor negro (The black crook) 1866


Con la llegada de la década de los años 1870, el perímetro de Unión Square (Broadway, esquina con la Calle 14) se convirtió en el primero de los distritos teatrales de Nueva York, gracias a una céntrica y accesible ubicación, y a sus teatros, restaurantes y tiendas de moda.


 Broadway, esquina con Union Square


Aquel lugar en plena calle servía como improvisada oficina de contratación a cientos de actores, productores, mánagers y empresarios teatrales, quienes, con sus agendas en mano, cerraban compromisos y planificaban sus producciones entre un bullicio de gente yendo y viniendo por los alrededores. 


 Union Square


*  EL COMPOSITOR ESTADOUNIDENSE MÁS IMPORTANTE DEL SIGLO XIX FUE STEPHEN FOSTER (1826-1863), NACIDO EN PITTSBURGH (PENSILVANIA). ENTRE SUS TEMAS MÁS SEÑALADOS FIGURAN OH! SUSANNAH, OLD FOLKS AT HOME (SWANEE RIVER), MY OLD KENTUCKY HOME, HARD TIMES COME AGAIN NO MORE Y BEAUTIFUL DREAMER. 

FOSTER NUNCA RENTABILIZÓ SU ACTIVIDAD COMPOSITORA. ACUCIADO POR PROBLEMAS ECONÓMICOS, MALVENDIÓ LOS DERECHOS DE SUS CANCIONES, ALGUNAS DE ELLAS POR EL PRECIO DE UN DÓLAR. 

MURIÓ A LA EDAD DE 37 AÑOS, ALCOHOLIZADO Y EN LA INDIGENCIA, PERO SUS CANCIONES SE CONVIRTIERON EN CLÁSICOS DE LA MÚSICA POPULAR. EN 1939, LA 20th CENTURY FOX RODÓ UN LARGOMETRAJE SOBRE SU VIDA, TITULADO SWANEE RIVER, CON EL ACTOR DON AMECHE COMO PROTAGONISTA. 


Stephen Foster (1826-1863)



El Gran Camino Blanco
En 1891 aparecieron las primeras marquesinas con luz eléctrica, que reemplazaron a las candilejas de luz de gas. Este invento perfilará la nueva fisonomía de Broadway, una arteria que con el tiempo será conocida internacionalmente con el nombre de El Gran Camino Blanco, por los numerosos luminosos que engalanan las fachadas de sus magníficos cines y teatros.




El primer anuncio animado con diseños de luces de colores se vio en 1903, publicitando una opereta de Victor Herbert titulada El molino rojo (The red mill). Estas operetas de Herbert acapararían la atención del gran público norteamericano, pues, entre sus distintos números músicales, se intercalaban diálogos y situaciones que las hacían más asequibles y atractivas que una ópera cantada en italiano o en alemán y conectaban de maravilla con el espectador medio.


 El molino rojo (The red mill), Victor Herbert, 1903


* LA PRIMERA BOMBILLA FUE PATENTADA POR THOMAS ALVA EDISON, EN 1879. 

* EN 1882, SE INAUGURA EN NUEVA YORK LA PRIMERA CENTRAL ELÉCTRICA, CON GENERADORES ACCIONADOS POR MÁQUINAS DE VAPOR, IDEADA TAMBIÉN POR EDISON. UN AÑO MAS TARDE, LA BOMBILLA EMPIEZA A ILUMINAR LAS CALLES DE LA CIUDAD Y ACABA SUSTITUYENDO A LAS VIEJAS FAROLAS DE GAS. 

* EN 1896 SE INAUGURA EL ALUMBRADO ELÉCTRICO DE LA PUERTA DEL SOL DE MADRID. 

LAS LUCES DE NEÓN FUERON INTRODUCIDAS EN 1910 POR EL QUÍMICO FRANCÉS GEORGES CLAUDE.



Un barrendero municipal y un policía. Nueva York, 1892


 Taxi de caballos. Nueva York, 1896

  Un coche particular, Nueva York, 1896

Autobús metropolitano, Nueva York, 1904



El género de la opereta europea alcanzaría su cumbre en 1907, con el estreno en Nueva York, después de conquistar Viena, de La viuda alegre (The merry widow, 1905), una obra del compositor húngaro Franz Lehár (1870-1948), célebre por su vena melódica y habilidad instrumental, cuyo éxito fue sensacional.


La viuda alegre (The merry widow, 1905)


También contribuyó notablemente al desarrollo de la comedia musical americana la figura de George M. Cohan (1878-1942), considerado como el padre de la misma, quien hizo su debut en Broadway como compositor y estrella protagonista de Little Johnny Jones (1904), un musical que incluía los temas Give my regards to Broadway y The yankee doodle boy, que han pasado a la posteridad. 



Give my regards to Broadway (1904), de George M. Cohan


Times Square
La apertura de la primera línea de Metro de la ciudad, en 1904, hizo incrementar notablemente el número de espectadores, que, a partir de entonces y gracias a los trenes subterráneos, podrían desplazarse a Broadway, ver una obra, y regresar a sus domicilios en los barrios periféricos una vez finalizada la velada.


Longacre Square, 1904

Inauguración de la primera línea de Metro de Nueva York
City Hall - 145 Street y Broadway, Harlem
27 de octubre de 1904


Aquel mismo año, la plaza Longacre Square tomaba el nombre de Times Square, coincidiendo con la apertura de las nuevas oficinas del diario The New York Times, un gran edificio en la intersección de Broadway con la Séptima Avenida, por cuya entrada principal se accedía a la estación de Metro de Times Square.


Edificio del New York Times, 1904


* EN 1851, THE NEW YORK TIMES SE CONVIERTE EN UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES PERIÓDICOS ESTADOUNIDENSES, POR LA INFLUENCIA QUE EJERCE SOBRE LA SOCIEDAD Y EL PODER POLÍTICO. 


Times Square, 1924
Times Square, 1966
Times Square, 2016


Los teatros
Mientras progreso y civilización se abrían paso a toda máquina, los empresarios teatrales mantenían una guerra sin cuartel para monopolizar el negocio del espectáculo en ese distrito de la ciudad, y edificaron muchos nuevos teatros, algunos con terrazas ajardinadas, para que el público pudiese contemplar el show y cenar al aire libre durante la temporada de verano. 

Los más llamativos e importantes fueron los enormes teatros, Winter Garden (1634, Broadway) y el Hippodrome (1120 Sexta Avenida), con capacidad para más de cinco mil personas; el coqueto Teatro Palace (1564, Broadway), conocido también como "El Paraíso del Vodevil" -construído en 1913 por el renombrado productor teatral Martin Beck, y el elegante Teatro New Amsterdam (Calle 42 West of Broadway).


Teatro Winter Garden (1634, Broadway)
  
Hippodrome (1120, Sexta Avenida)

 Teatro Palace (1564, Broadway). "El Paraíso del Vodevil"

Teatro New Amsterdam (Calle 42 West of Broadway)



Nueva Amsterdam / Nueva York

New Jersey, río Hudson, Manhattan, East River y Long Island


 LOS PRIMEROS EXPLORADORES EUROPEOS ARRIBAN A LA DESEMBOCADURA DEL RÍO HUDSON EN 1524. EN 1609 LA EXPLORA DE NUEVO EL NAVEGANTE INGLÉS HENRY HUDSON, EL CUAL REMONTA EL RÍO CIERTO TRECHO Y LE DA SU NOMBRE.

EL TERRITORIO DE LA ACTUAL NUEVA YORK ES PUESTO BAJO EL DOMINIO DE LA REPÚBLICA DE LOS PAÍSES BAJOS, Y LOS HOLANDESES FUNDAN UNA COLONIA A LA QUE DENOMINAN NUEVA HOLANDA, Y UNA PEQUEÑA CIUDAD, EL GERMEN DE LA ACTUAL, A LA QUE DAN EL NOMBRE DE NUEVA AMSTERDAM.

EN 1664, POR LA PAZ DE BREDA, LA COLONIA CAE EN PODER DE LOS INGLESES, LOS CUALES DENOMINAN A LA CIUDAD NUEVA YORK, EN HONOR DE SU PROTECTOR EL DUQUE DE YORK, HERMANO DEL REY CARLOS II.

DESDE UN PRINCIPIO, LA CIUDAD SERÁ REFUGIO DE LOS PROTESTANTES HUIDOS DE TODAS LAS NACIONES DE EUROPA, ADQUIRIENDO ASÍ ESE CARÁCTER COSMOPOLITA QUE SIEMPRE LA HA DISTINGUIDO. TRAS LA GUERRA DE INDEPENDENCIA, DESDE 1784 A 1797, FUE LA CAPITAL POLÍTICA DE LA UNIÓN.


Manhattan

Lower Manhattan, 1906

Lower Manhattan, 1922

Lower Manhattan, 1942

Lower Manhattan, siglo XXI


* NUEVA YORK ES LA PRIMERA CIUDAD DEL MUNDO POR SU SUPERFICIE METROPOLITANA, Y LA PRIMERA DE LOS EE UU POR SU IMPORTANCIA ECONÓMICA.

DESDE 1898, ESTÁ CONSTITUIDA POR CINCO MUNICIPIOS: MANHATTAN, QUEENS, BROOKLYN, BRONX Y RICHMOND. SU PUERTO ES EL DE MAYOR MOVIMIENTO DEL MUNDO. SEGÚN EL CENSO DE 1850 SU POBLACIÓN ERA DE 696.115 HABITANTES; EL DE 1900 REFLEJÓ 3.437.202; Y EL DE 1950: 7.891.957.


La Edad de Oro de Broadway
Hablando en términos estrictamente crematísticos, las revistas de Broadway eran un entretenimiento ciertamente caro y clasista, si tenemos en cuenta que, en 1914, una localidad para un estreno de los Ziegfeld Follies costaba cinco dólares, en tanto que el precio de una entrada a un cine o a una función de vodevil oscilaba entre los 10 y los 25 centavos.


Ziegfeld Follies of 1913 
New Amsterdam Theatre, Nueva York

Ziegfeld Follies of 1915


Claro que el espectáculo merecía la pena, y éste, día a día, hacía evolucionar sus recursos a pasos agigantados, tanto en las producciones, cada vez más sofisticadas y costosas, como en la calidad de la música. De lo primero fueron responsables empresarios como los hermanos Shubert, Florenz Ziegfeld Jnr., Earl Carroll y George White.

De lo segundo, compositores como Jerome Kern, Irving Berlin, George Gershwin, Richard Rodgers, Walter Donaldson, Vincent Youmans y Cole Porter, quienes incorporaron el jazz al contexto del musical teatral, con lo que éste adquirió un carácter netamente estadounidense.

Muchos historiadores coinciden al señalar el comienzo de la “Edad de Oro” de los musicales de Broadway en septiembre de 1925, cuando, en el espacio de una semana, se estrenaron cuatro obras que tuvieron todas un éxito arrollador:

1- No, no, Nanette, de Irving Ceasar y Vincent Youmans.
      321 representaciones.

2- The vagabond king, opereta de Rudolf Friml.
      511 representaciones.

3- Sunny, de Jerome Kern, Otto Harbach y Oscar Hammerstein II.
      517 representaciones.

4- Dearest enemy, de Richard Rodgers y Lorenz Hart.
      286 representaciones.


La revista musical estadounidense gozó de 10 años de maravilloso esplendor, desde la conclusión de la I Guerra Mundial, a finales de 1918, hasta 1929, cuando el Crack de la Bolsa de Wall Street sumió al país en una ruina absoluta, que se prolongó durante los años de la Gran Depresión, lo cual obligó a cerrar muchos teatros, o a trasladar sus espectáculos a recintos de menor capacidad.

Fue entonces cuando comenzó la fuga de talentos a Hollywood. El cine sonoro había irrumpido con estruendo, y los estudios se lanzaron como posesos a filmar musicales, copiando en principio los de Broadway, por lo que el lugar ofrecía grandes perspectivas a compositores, cantantes, bailarines y cómicos provenientes de El Gran Camino Blanco. ¡Bienvenidos a California …!


Hollywoodland, años 1920

Grauman Chineese Theatre, Hollywood, California



Los 15 musicales más aclamados de Broadway

1. Show boat, de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II.
Estreno: 27 de diciembre de 1927. The Ziegfeld Theatre.
Dirección: Sammy Lee y Zeke Colvan.
Producción: Florenz Ziegfeld



2. Porgy and Bess, de George Gershwin, Ira Gershwin y DuBose Heyward.
Estreno: 10 de octubre de 1935. Alvin Theatre.
Dirección: Robert Mamoulian.
Producción: The Theatre Guild.



3. Oklahoma! de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II.
Estreno: 31 de marzo de 1943.
St. James Theatre.
Dirección: Robert Mamoulian.
Coreografía: Agnes de Mille.
Producción: The Theatre Guild.



4. Annie get your gun, de Irving Berlin.
Estreno: 16 de mayo de 1946.
Imperial Theatre.
Dirección: Joshua Logan.
Coreografía: Helen Tamiris.
Producción: R. Rodgers y O. Hammerstein II.




5. Kiss me, Kate, de Cole Porter.
Estreno: 30 de diciembre de 1948.
New Century Theatre.
Dirección: John C. Wilson.
Coreografía: Hanya Holm.
Producción: Saint Subber y Lemuel Ayers.




6. Guys and dolls, de Frank Loesser.
Estreno: 24 de noviembre de 1950.
46th Street Theatre.
Dirección: George S. Kaufman.
Coreografía: Michael Kidd.
Producción: Cy Feuer y Ernest Martin.


Guys and dolls, versión cinematográfica 


7. West Side story, de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim.
Estreno: 26 de septiembre de 1957.
Winter Garden Theatre.
Dirección y coreografía: Jerome Robbins.
Producción: Robert Griffith y Harold S. Prince.




8. Cabaret, de John Kander y Fred Ebb.
Estreno: 20 de noviembre de 1966.
Broadhurst Theatre.
Dirección: Harold Prince.
Coreografía: Ronald Field.
Producción: Harold Prince.



9. Hair, de Gerome Ragni, James Rado y Galt MacDermot.
Estreno: 29 de abril de 1968.
Biltmore Theater
Dirección: Tom O´Horgan.
Coreografía: Julie Arenal.
Producción: Michael Butler.



10. A chorus line, de Marvin Hamlisch y Edward Kleban.
Estreno: 25 de julio de 1975.
Shubert Theatre.
Dirección y coreografía: Michael Bennett. 
 Producción: Joseph Papp.




11. 42nd street, de Harry Warren y Al Dubin.
Estreno: 25 de agosto de 1980.
Winter Garden Theatre.
Dirección y coreografía: Gower Champion. 
Producción: David Merrick.




12. Cats, de Andrew Lloyd Webber.
Estreno: 7 de octubre de 1982.
Winter Garden Theatre.
Dirección: Trevor Nunn.
Coreografía: Gillian Lynne.
Producción: Cameron Mackintosh, The Really Useful Theatre Company Ltd., David Geffen, y The Shubert Organization.




13. Le cage aux folles, de Jerry Herman. 
Estreno: 21 de agosto de 1983.
Palace Theatre.
Dirección: Arthur Laurents.
Coreografía: Scott Salmon.
Producción: Allan Carr, Kenneth Greenblatt, Stewart Lane, 
James Nederlander, Martin Richards, y Marvin A. Krauss.



14. The Lion king, de Elton John y Tim Rice.
Estreno: 13 de noviembre de 1997.
New Amsterdam Theatre.
Dirección: Julie Taymor.
Coreografía: Garth Fagan.
Producción: Walt Disney Theatrical Productions.



15. The producers, de Mel Brooks.
Estreno: 19 de abril de 2001.
St. James Theatre.
Dirección y coreografía: Susan Strom.
Producción: Rocco Landesman, SFX Theatrical Group, The Frankel-Baruch-Viertel-Rout Group, Bob Weinstein, Harvey Weinstein, Rick Steiner, Robert F.X. Sillerman y Mel Brooks.





2- Empresarios y productores
David Belasco (1853-1931)
Escritor, empresario, director y productor, cuyo ímpetu fue vital para el desarrollo del medio teatral, en el que empezó a destacar en 1882, como director de escena del Madison Square Theatre de Nueva York. Hijo de inmigrantes de origen sefardí llegados a América en plena explosión de la `Fiebre del Oro´, Belasco escribió, dirigió y produjo más de 100 obras de Broadway, que hicieron de él la máxima personalidad de la escena teatral neoyorquina de su tiempo.

*  EL MADISON SQUARE THEATRE DE NUEVA YORK (CALLE 24, ENTRE LA SEXTA AVENIDA Y BROADWAY), FUE CONSTRUÍDO EN 1877, REMODELADO EN 1879 Y DEMOLIDO EN 1908.

Prestaba especial atención a la calidad de sus producciones, que se caracterizaban por el realismo de los decorados y por una cuidadísima iluminación, con la que variaba a su gusto los ambientes de cada cuadro, haciendo resaltar determinados aspectos físicos de los protagonistas, que de otro modo hubieran sido imposibles de captar por el público. 

En este aspecto, era todo un detallista: Mandaba equipar los camerinos de sus teatros con lámparas de distintos colores, para que los actores pudieran maquillarse de acuerdo a la luz que les esperaba en el escenario. Fue un revolucionario en el campo de la producción, y sus ingeniosos métodos fueron adoptados por todos los grandes empresarios de Norteamérica.


David Belasco, `el obispo´de Broadway


David Belasco tuvo en propiedad dos teatros de Nueva York, y otros varios desperdigados por el país, que llevaban su nombre y contaban con la tecnología más avanzada de una época en la que aún no había avanzado casi nada. Conocido en los ámbitos teatrales como 'El Obispo de Broadway', por las ropas de color negro que solía vestir y le hacían parecer un cura, su carrera profesional se extendió desde 1882 hasta 1930. Muchos de sus guiones fueron llevados al cine.



Belasco Theatre, Nueva York, 1902


Los hermanos Shubert
Levantaron el imperio teatral más grande del siglo XX, a partir de un pacto de sangre por el cual estos tres hermanos juraron apoyarse mutuamente en sus respectivos negocios.

Los Shubert: Lee, Sam y Jake, eran emigrantes judeo-lituanos, llegados a América en 1882, que, por tener un padre alcohólico e incapaz de asumir responsabilidades, tuvieron que aprender a ganarse el sustento desde muy niños. Lee (1873?-1953), el mayor, con 10 años vendía periódicos en la esquina de un teatro de Siracusa (Nueva York) en el que su hermano Sam (1875?-1905) trabajaba como niño-actor, en una obra dirigida por el prominente director y productor David Belasco.



Jake, Sam y Lee Shubert


Gradualmente, Sam iría escalando peldaños, y pasó de actor a repartidor de programas en otro auditorio más importante. De ahí, a ayudante del tesorero del Grand Opera House y, después, a tesorero del teatro Wieting, el más distinguido de la ciudad. 

Conforme el diligente Sam iba sorteando los escalafones del showbiz teatral, sus hermanos se posicionaban en otros puestos estratégicos complementarios, de modo que, en 1900, entre los tres dirigían cinco teatros del Estado de Nueva York, teniendo perfectamente definido el papel que le correspondía a cada uno: Sam era el líder creativo; Lee se encargaba de las finanzas, y Jacob 'Jake' (1879?-1963) de las producciones foráneas. Es entonces cuando se lanzan a aglutinar teatros en Manhattan y Long Island y a producir sus propias obras, tanto de autores norteamericanos como europeos.



 Shubert Theatre, edificado en 1913
225 West 44th Street, Manhattan, Nueva York


Guerra abierta entre empresarios teatrales
En mayo de 1905, Sam Shubert fallecía a la edad de 30 años, a consecuencia de las heridas sufridas en el descarrilamiento de un tren, dejando abierto un enfrentamiento directo con un grupo de empresarios y productores teatrales, reunidos bajo el nombre de 'El Sindicato', que controlaba las tres cuartas partes de las salas del país, lo cual venía significar que quien quisiera trabajar en el negocio del teatro estaba obligado a entendérselas con ellos y a aceptar sus condiciones, cualesquiera que estas fueran.



Sam Shubert


Tras la muerte de Sam, Lee Shubert parecía dispuesto a transigir con las imposiciones del Sindicato, hasta que uno de sus miembros más significados cometió la imprudencia de insultar la memoria de su hermano, y a partir de aquí se declaró una guerra abierta entre los dos bandos. A la postre, los Shubert ganarían legalmente la batalla, pasando a cometer los mismos desmanes monopolizadores que ellos habían reprochado al susodicho Sindicato.




Al llegar 1924, ya poseían 86 teatros de primera categoría en los Estados Unidos, aproximadamente un 60% del total de salas del país, que generaban 1 millón de dólares de beneficios a la semana, aparte de tener su propia red de oficinas de ventas de entradas, una academia de canto y danza, e incalculables bienes patrimoniales.


Jacob y Lee Shubert


* A PRINCIPIOS DE LOS AÑOS 1920, LEE SHUBERT MANEJA INTERESES DE LA PRODUCTORA CINEMATOGRÁFICA GOLDWYN PICTURE CORPORATION, QUE SERÁ ADQUIRIDA POR EL EMPRESARIO CINEMATOGRÁFICO MARCUS LOEW Y DARÁ ORIGEN A LA METRO GOLDWYN MAYER.

The Shubert Organisation
Con la fabulosa organización de los Shubert, la llamada Shubert Organization, debutaron muchas de las más significadas estrellas del teatro norteamericano: Al Jolson, Eddie Cantor, The Dolly Sisters, Lionel Barrymore, los Hermanos Marx, Will Rogers, Jack Benny, Spencer Tracy ... Convirtieron el teatro en un negocio a gran escala, más cercano a los gustos populares que al arte en sí mismo.


The Dolly Sisters, grandes estrellas del vodevil norteamericano
Fotografía de James Abbe (1927)


Entre sus teatros, hubo algunos que alcanzaron el grado de mitológicos en la historia del musical, como el Winter Garden (1634 Broadway) –en la actualidad, denominado Cadillac Winter Garden Theatre-, el Imperial Theatre (249 West 45th Street), y el Sam S. Shubert Theatre (221 West 44th Street), donde se estrenaron comedias musicales de tanto impacto como Babes in arms (1937), Pal Joey (1941), Kiss me Kate (1948) y Can can (1952).





Asimismo, el Teatro Shubert acogió obras dramaticas, interpretadas por actores del rango de Lionel Barrymore, Katherine Hepburn, Rex Harrison, John Gielgud, Vivien Leigh e Ingrid Bergman. En la actualidad, sigue abierto al público. En sus pisos superiores están las oficinas de su organización, The Shubert Organization. Por cierto, el apellido verdadero de los Shubert era Szemanski.






Florenz Ziegfeld Jnr. (1867-1932)
Este legendario empresario norteamericano fue el artífice de una serie de revistas teatrales, conocidas como Ziegfeld Follies e inspiradas en los espectáculos del Folies Bergère (Rue Saulnier, 8) de París, que iluminaron las carteleras de Broadway desde 1907 hasta 1931.


Ziegfeld Follies of 1918

Ziegfeld Follies of 1919

Ziegfeld Follies of 1920

Ziegfeld Follies of 1922


The Ziegfeld Follies
The Ziegfeld Follies fueron admirados por la belleza y elegancia de sus vedetes, las famosas Chicas Ziegfeld, entre las que se encontraban futuras estrellas del espectáculo, como Marion Davies, Bee Palmer, Paulette Goddard, Louise Brooks, Tallulah Bankhead, Joan Blondell, Ruby Keeler y Barbara Stanwyck. También, por sus lujosos decorados, su suntuoso y cuidado vestuario –diseñado por Ali Ben Hagan-, y la participación de prominentes autores y compositores, entre los que sobresalen Jerome Kern, Irving Berlin, Richard Rodgers y George Gershwin.


Teatro New Amsterdam  (Calle 42 West of Broadway)


En 1915 acondicionó la terraza del Teatro New Amsterdan (42nd Street West of Broadway, Manhattan), transformándola en unos lujosos y elegantes jardines en los que, después de cada función, se servían cenas al compás de la música de orquestas y cantantes, en unas veladas que recibían el nombre de Ziegfeld Midnight Frolics


New Amsterdam Theatre

Ziegfeld Midnite Frolic 


Otras producciones suyas de grandísimo impacto fueron los musicales The century girl (1916), Sally (1920), Kid boots (1923), Rio Rita (1927), Show boat (1927 y 1932), Whoopee! (1928), Show girl (1929), Bitter sweet (1930) y Simple Simon (1930).


Florenz Ziegfeld


Bajo su manto de luces y bambalinas, artistas como Anna Held –su primera esposa-, Nora Bayes, Eddie Cantor, Mary Eaton, Bert Williams, Billie Burke -su segunda esposa-, Marylin Miller -su amante-, Fanny Brice, W.C. Fields, Will Rogers, Helen Morgan y Ruth Etting se convirtieron en estrellas ricas y famosas.



Ziegfeld girl
Fotografía de Alfred Cheney Johnston

Ziegfeld girl
Fotografía de Alfred Cheney Johnston

Ziegfeld girl
Fotografía de Alfred Cheney Johnston

Ziegfeld girl
Fotografía de Alfred Cheney Johnston


* EL FOTÓGRAFO OFICIAL DE LOS ZIEGFELD FOLLIES ERA EL NEOYORQUINO ALFRED CHENEY JOHNSTON (1885-1971). SUS RETRATOS DE LAS CHICAS ZIEFGELD FUERON MUY APRECIADOS EN SU TIEMPO. EN LA ACTUALIDAD, ESTÁN CONSIDERADOS VERDADERAS OBRAS DE ARTE Y UN MAGNÍFICO TESTIMONIO DE LA ÉPOCA.

Arruinado por el Crack de la Bolsa
Florenz Ziegfeld quedó completamente arruinado con el Crack de la Bolsa de 1929, pues invirtió en acciones de Wall Street una buena parte de su fortuna, falleciendo poco después, en julio de 1932, en Hollywood, a consecuencia de una pleuresía, dejando varios millones de dólares de deudas. Estaba casado en segundas nupcias con la rutilante estrella de Broadway Billie Burke.


 "Noted producer dies"

Ziegfeld Follies, con Billie Burke.
Teatro Winter Garden, Nueva York, 1934
Una producción de los hermanos Shubert


* EN 1932, A LA MUERTE DE FLORENZ ZIEGFELD, LOS HERMANOS SHUBERT ADQUIEREN LOS DERECHOS DEL NOMBRE Y DEL FORMATO DE LOS ZIEGFELD FOLLIES, QUE PRESENTAN EN EL TEATRO WINTER GARDEN DE NUEVA YORK.


Su persona ha dado origen a películas como el biopic El gran Ziegfeld (The great Ziegfeld, Robert Z. Leonard, 1936), protagonizado por William Powell, Mirna Loy y Luise Reiner; con temas de Irving Berlin y Walter Donaldson. El mismo director rodó Ziegfeld girl (1941), otro filme alusivo al empresario, pleno de canciones y bailes, y con vistosas coreografías de Busby Berkeley, en el que intervinieron Judy Garland, Hedy Lamarr, Lana Turner, James Stewart, Jackie Cooper y Tony Martín. 


 The great Ziegfeld (Robert Z. Leonard, 1936)

  Ziegfeld girl  (Robert Z. Leonard, 1941)


Cinco años después, la Metro Goldwyn Mayer estrenó la super producción Ziegfeld Follies (varios directores, 1946), con Fred Astaire, Gene Kelly, Fanny Brice, Judy Garland, Kathryn Grayson, Lena Horne, Esther Williams, Lucille Ball, William Powell, y otras estrellas de Broadway y de Hollywood. Fue el mejor tributo que el mundo del espectáculo podía rendir a Florenz Ziegfeld y a sus deslumbrantes revistas musicales, cuyo influjo en el cuidado y el buen gusto a la hora de presentar una producción se ha perpetuado hasta nuestros días.


Ziegfeld Follies (varios directores, 1946)



George White (1890-1968)
Productor de Broadway, autor, bailarín y actor. Emprendió su carrera profesional en 1910, trabajando en distintas revistas de Broadway, muy especialmente en los Ziegfeld Follies.

En 1919 produjo y dirigió la primera de una serie de revistas musicales, tituladas genéricamente con el nombre de George White´s Scandals, que gozaron de un éxito fabuloso durante los 5 años consecutivos, de 1921 a 1926, que estuvieron en cartelera, volviendo a reponerse entre 1928 y 1931. Uno de los temas de la edición de 1926, Black bottom, arrasó en las pistas de baile y en los bares clandestinos, desbancando al charlestón como baile de moda y fenómeno mediático de su tiempo.



 George White´s Scandals, 1928

George White´s Scandals, 1931


Los Escándalos de George White, que solían representarse en el teatro Apollo (223 West 42nd Street, Nueva York) y cuyo contexto era similar al de las revistas de Ziegfeld, contaron con la participación de destacados artistas del momento, como Rudy Vallee, Jimmy Durante, Cliff Edwards, Harry Richman, Ethel Merman y Shirley Temple. 

Sus números musicales, con coreografías de Harry Lachman, estaban compuestos por autores tan inspirados y eficaces como los hermanos Gershwin, Irving Caesar, Harold Arlen, Jack Yellen, Buddy DeSylva, Lew Brown y Ray Henderson.

Los George White´s Scandals fueron llevados a la gran pantalla, con sendas producciones de la Fox, en 1934, 1935 y 1945, que dirigió el propio White, con ayuda de Thornton Freeland. Las dos primeras, lanzaron al estrellato cinematográfico a Alice Faye, una de sus coristas más simpáticas y desinhibidas.


George White´s 1935 Scandals (George White, 1935)


* LAS REVISTAS DE GEORGE WHITE, TAMBIÉN SE REPRESENTABAN EN EL GLOBE THEATRE Y EN EL FULTON THEATRE DE NUEVA YORK.


Earl Carroll (1893-1948)
Compositor, productor y director teatral estadounidense. Fue el creador de las populares revistas musicales que llevaban inscrito su nombre: Earl Carroll´s Vanities, representadas, a partir de 1922, en su propio teatro, el Earl Carroll Theatre (753 Seventh Avenue), en cuya entrada se podía leer un cartel que decía: “Detrás de estas puertas desfilan las mujeres más bellas del mundo”.


 It´s great to be in love
 Earl Carroll Vanities 1931


Originario de Pittsburgh (Pensilvania), Earl Carroll rivalizó con Florenz Ziegfeld y George White en la presentación de cuidados espectáculos de music-hall, un medio en el que empezó a trabajar en 1912, escribiendo números bailables para revistas de Broadway.

Tras servir como piloto en la I Guerra Mundial, en 1919 pasó a dedicarse al negocio del espectáculo desde la posición de empresario. Mandó edificar un teatro en plena Séptima Avenida de Manhattan, que estrenó en 1922 y demolió y reacondicionó en 1931, convirtiéndolo en uno de los de mayor capacidad del mundo, con un aforo para 3.000 espectadores. 

El coste de esta obra faraónica, que ascendió a varios millones de dólares, sumados a los gastos de producción que se disparaban cada semana, le obligó a cerrarlo, siendo adquirido por Florenz Ziegfeld, y posteriormente por Billy Rose, quien lo clausuró definitivamente en 1939.


El primer Earl Carroll Theatre, 1922


* EARL CARROLL COLABORA EN LA MÚSICA Y EN EL LIBRETO DEL MUSICAL MONTE CRISTO JR. (1919), DE SIGMUND ROMBERG, PRODUCIDO POR LOS HERMANOS SHUBERT.

* EN 1939, EL EARL CARROLL THEATRE PASA A CONVERTIRSE EN LOS GRANDES ALMACENES WOOLWORTH. EL EDIFICIO SERÁ DEMOLIDO EN 1990.


Coristas desnudas, policías y ginger ale
La costumbre de Earl Carroll de presentar coros con chicas prácticamente desnudas recibió críticas airadas por parte de muchos sectores de la sociedad neoyorquina, e inclusive desde el propio mundo del espectáculo, que consideraba esta práctica “una monstruosidad de mal gusto”.

En 1926 se lo llevó preso la policía, porque. en uno de los números del show, una de las chicas aparecía desnuda en una bañera repleta de champán. Graciosamente, no fue el destape integral lo que le acarreó problemas judiciales al empresario, sino el hecho de que cometiera perjurio, al alegar, falsamente, que el líquido que había en el contenedor no era champán, sino ginger ale.

No sería éste un hecho aislado, pues la disipada vida privada de Carroll y los atrevidos golpes de efecto que empleaba para atraer al público a su teatro le acarrearían más de un problema con las autoridades. En sus dinámicas y banales Vanidades participaron muchas de las más renombradas figuras de su tiempo: Sophie Tucker, Lillian Roth, la inglesa Jessie Matthews, W.C. Fields, Jack Benny y Milton Berle, entre otras.


 Earl Carroll y sus divinas vedetes

Earl Carroll´s Murder at the Vanities
Programa de 1933


Tremendamente influyente en el proceso evolutivo musical de su época fue el tema Rhythm of the day (Columbia, 1925), estrenado en la edición de los Vanities de 1925 por el director de orquesta Ross Gorman, quien lo grabó en disco, con una banda de 16 músicos, brindando una vision premonitoria de cómo serán los arreglos orquestales de las big bands de swing de la siguiente década.

La edición teatral de 1932, cuyo director de escena fue el siempre exquisito Vincente Minelli, presentó uno de los temas más populares de aquel año: I gotta right to sing the blues, firmado por Harold Arlen y Ted Koehler, todo un clásico del cancionero americano, del cual grabarían sus respectivas versiones intérpretes tan importantes como Louis Armstrong (1933), The Dorsey Brothers, Benny Goodman (1933), Billie Holiday, Jack Teagarden (1939), Lena Horne (1941), Art Tatum (1955), Judy Garland (1957), Sam Cooke (1959), Ella Fitzgerakd (1961) y Frank Sinatra (1962), entre otros.

Carroll, uno de los hombres más vistosos y extravagantes de Broadway, perdió la vida en un accidente de aviación comercial, el 17 de junio de 1948, en Mount Carmel (Pensilvania). A lo largo de su trayectoria artística produjo o dirigió más de 60 obras de Broadway, así como los musicales cinematográficos A night at Earl Carroll´s (1940), Earl Carroll´s Vanities (1945) y Earl Carroll´s sketch book (1946).


Along came love
Earl Carroll Vanities 1932



Billy Rose (1899-1966)
Reputado productor de Broadway y empresario neoyorquino, de nombre verdadero William Samuel Rosenberg. Se inició en el negocio del espectáculo a principios de los años 1920, regentando el Backstage Club, uno de los bares clandestinos más en auge de Nueva York, y como autor de canciones para revistas musicales de gran impacto.


El productor Billy Rose, en su despacho. 1939


Sus temas If you want the rainbow (you must have the rain), escrito en colaboración con Mort Dixon y Oscar Levant, y I´d rather be blue over you (than be happy with somebody else), con música de Fred Fisher, fueron grabados por la cantante y comedianta Fanny Brice, y obtuvieron un éxito asombroso al ser incluídas en el musical cinematográfico My man (Archie Mayo, 1928). La relación de Billy Rose con Fanny Brice, quien, como él, era de sangre judía, no se ciñó a términos estrictamente artísticos, pues contrajeron matrimonio al poco de conocerse.


If you want the rainbow (you must have the rain) 
Billy Rose, Mort Dixon y Oscar Levant  
Remick Music Corp.,1928

Fanny Brice y Billy Rose


A esta etapa pertenece su primera producción para Broadway: Sweet and low (1930), una comedia teatral con textos del propio Rose y música de Louis Alter, que interpretaron Fanny Brice, George Jessel y James Barton. En 1934 inauguró The Billy Rose Music Hall, un teatro en la Calle 52 con Broadway, en donde presentó a la primera de las orquestas de Benny Goodman, poco antes de que el célebre clarinetista se consagrara como `Rey del Swing´.


Sweet and low (1930), una producción de Billy Rose


Rose, fue un visionario en el campo de la producción de espectáculos. Organizó musicales tan afamados como Jumbo (1935), de Richard Rodgers y Lorenz Hart, una historia circense, de gran aparato escénico, que se representó en el gigantesco Hippodrome, uno de los auditorios más imponentes de Nueva York, que terminaría siendo demolido en 1939.


El imponente Hippodrome de Nueva York. Fotografía de 1915


Jumbo, New York Hippodrome, 1935


* EN 1962, LA METRO GOLDWYN MAYER ESTRENA EL MUSICAL BILLY ROSE´S JUMBO, UNA ADAPTACIÓN CINEMATOGRÁFICA, CON COREOGRAFÍAS DE BUSBY BERKELEY, DE LA PRODUCCIÓN QUE BILLY ROSE PRESENTÓ EN 1935.


Billy Rose´s Jumbo (Charles Walters, 1962)


Casa Mañana
Otra histórica producción de Billy Rose fue la que preparó para la conmemoración, en 1936, del centenario de la independencia de Texas, después de que Amon G. Carter, editor del diario Star-Telegram de Fort Worth (Texas), lo contratase para que organizara unos faustos grandiosos, con la idea de atraer turistas a la ciudad. 

El resultado fue Fort Worth Frontier Centennial, un conglomerado de atracciones, con ferias agrícolas, shows del Viejo Oeste, la obra Jumbo, y una revista musical al más puro estilo Broadway, encabezada por la conocida stripper Sally Rand, quien, desnudándose al compás de la música de la orquesta de Paul Whiteman, hacía las delicias de ricachones ganaderos y petroleros tejanos.


Billy Rose presenta Casa Mañana
Fort Worth, Texas, 1936

La stripper Sally Rand


Esta costosa extravaganza se organizó en un recinto de madera, al aire libre, denominado Casa Mañana, en el cual la clientela podía cenar platos exóticos mientras los artistas actuaban sobre un escenario giratorio, rodeado de surtidores de agua, cuya estructura flotaba sobre un gigantesco estanque de colores. La vistosidad de aquellos shows en Casa Mañana causó tal impacto en la rutina cotidiana de Fort Worth que, pasados 53 años, seguía siendo objeto de análisis en libros como Billy Rose presents … Casa Mañana (1999, Performing Arts Theater / Texas History), de Jan Jones.



Casa Mañana, Fort Worth Frontier Fiesta
Fort Worth, Texas, 1936


Aquacade
Con motivo de la la Feria Mundial de Nueva York de 1939, Rose preparó un insólito espectáculo acuático, publicitado como Aquacade, que contó con la participación de Esther Williams, Johnny Weissmuller, y la nadadora estadounidense Eleanor Holm (1913-2000), medalla de oro en las Olimpiadas de Los Ángeles de 1932, con la que el empresario contrajo nupcias después de divorciarse de Fanny Brice.


 Eleanor Holm y Billy Rose. 1945

Eleanor Holm. Time magazine. 1939


La firma de arquitectos Sloan & Robertson diseñó un anfiteatro, de estilo art decó, con capacidad para 11.000 espectadores, alrededor de una piscina gigantesca, sobre la cual se levantaba un escenario que, a modo de cortina, utilizaba una catarata de chorros de agua iluminados con focos multicolores. El evento tuvo un éxito multitudinario y, al año siguiente, volvería a repetirse en la Exposición Internacional Golden Gate, en San Francisco (California).



 Billy Rose´s Aquacade
Feria Mundial de Nueva York. 1939

Billy Rose´s Aquacade
Feria Mundial de Nueva York. 1939

Aquacade, en la Exposición Internacional Golden Gate 
San Francisco, California, 1940


The Diamond Horseshoe
Billy Rose era propietario de uno de los clubes nocturnos más atractivos y concurridos de Nueva York: La Herradura de Diamantes (The Diamond Horseshoe), en los bajos del hotel Paramount (Calle 46 con Broadway), un lugar en el que Gene Kelly curtió las suelas de sus zapatos y conoció a la que sería su mujer, una corista llamada Betsy Blair, antes de partir para Hollywood y convertirse en estrella mundial de la danza. 



Camerinos y bailarinas del Diamond Horseshoe

Gene Kelly


También allí se rodó un famoso musical cinematográfico: el homónimo Diamond Horseshoe (George Seaton, 1945), protagonizado por Betty Grable y Dick Haymes, cuya coreografía correspondió a Hermes Pan, y su banda sonora a Harry Warren y Mack Gordon.

Diamond Horseshoe (George Seaton, 1945)


* LAS PRODUCCIONES DE BILLY ROSE CASA MAÑANA, AQUACADE Y THE DIAMOND HORSESHOE FUERON MUSICALIZADAS POR LA COMPOSITORA Y PIANISTA DANA SUESSE (1909-1987).


Billy Rose. Time magazine, 1947


Carmen Jones
La última gran producción teatral de Billy Rose fue Carmen Jones (1943), una adaptación en clave norteamericana de la opera de Georges Bizet, realizada por Oscar Hammerstein II, con arreglos orquestales de Robert Russell Bennett y un reparto formado en su totalidad por intérpretes afro americanos. 

En 1954, el realizador Otto Preminger la llevó al cine. Harry Belafonte y Dorothy Dandridge fueron sus intérpretes principales, pero sus voces, inexplicablemente, fueron dobladas por otros cantantes. Cosas del cine ...


Carmen Jones (Otto Preminger, 1954)

Carmen Jones (RCA Victor, 1954)


* EL LIBRETO DE LA ÓPERA CARMEN, DEL COMPOSITOR FRANCÉS GEORGES BIZET (1838-1875), ESTÁ BASADO EN LA HOMÓNIMA NOVELA DE PROSPER MÉRIMÉE (1803-1870).


George Abbott (1887-1995)
Director y productor teatral y cinematográfico, guionista y dramaturgo. Inició su carrera en el mundo del espectáculo en 1913, como actor de comedias, y la extendió durante siete décadas, haciéndose acreedor al título honorífico de `Mister Broadway´, con el que estaba de acuerdo el gremio al completo, dado el talento y la enorme capacidad de trabajo de este grandísimo profesional originario de Forestville, una pequeña localidad del Estado de Nueva York.


George Abbott


De su faceta como director teatral destacan los musicales Broadway (1926), Jumbo (1935) -producido por Billy Rose-, On your toes (1936), Too many girls (1939), Pal Joey (1940), On the town (1944), The pajama game (1954), Damn Yankees (1955), New girl in town (1957), How now, Dow Jones (1967) ... Tuvo un gran ascendiente entre otros realizadores y coreógrafos, algunos tan notables como Jerome Robbins, Bob Fosse y Hal Prince.


On your toes (1936), libreto de George Abbott

On Your Toes. 1954 revival

 George Abbott presenta Too many girls (1939)

Too many girls, versión cinematográfica (George Abbott, 1940)

 George Abbott presenta Pal Joey

 Pal Joey, comedia teatral dirigida por George Abbott

The pajama game, obra escrita y dirigida por George Abbott

The pajama game, versión cinematográfica,
escrita, producida y dirigida por George Abbott


Abbott, un hombre inagotable, se mantuvo al pie del cañón hasta 1986, cuando, con 99 años, dirigió la exitosa reposición su famosa obra Malditos yanquis (Damn Yankees); y volvería a hacerlo cumplidos los 106, supervisando el trabajo del director Jack O´ Brien en una nueva reposición de dicha comedia musical, puesta en escena en 1994.


 Damn Yankees, 46th Street Theatre, 1955

  Damn Yankees ( RCA Victor, 1955)

Damn Yankees, versión cinematográfica, 1958,
 escrita, dirigida y producida por George Abbott


* EL MUSICAL DAMN YANKEES SE ESTRENA EL 5 DE MAYO DE 1955, EN EL 46TH THEATRE DE BROADWAY, EL ACTUAL RICHARD RODGERS THEATRE.
ALCANZA LAS 1019 REPRESENTACIONES.


Próximo capítulo: Historias del viejo Broadway / Segunda Parte: Autores y compositores 

© del texto: Salvador Domínguez
2017